„ Голландський живопис XVIIст. ”




Укладач

Вчитель образотворчого мистецтва

Франків Ірина Василівна














Кам’янець - Подільський

2018р.






ББК 85.1 я72

Ф 83



Рецензент Коваль С.О. учитель – методист Кам’янець – Подільської гімназії






Франків І.В.

Ф 83 Голландський живопис XVIIст. - Кам’янець – Подільський, 2018.- 61с.

Запропонований посібник розкриває історію становлення голландського живопису, класифікація творів живопису по жанрам та творчість видатних художників XVII ст.

У даному посібнику велику увагу звернено на формування потреби саморозвитку, самовдосконалення шляхом пізнання самого себе.

Розрахована на учнів середнього і старшого віку, також можна використовувати як додатковий матеріал на уроках образотворчого мистецтва та художньої культури.

ББК 85.1 я72








© Франків І.В., 2018

Зміст


Вступ…………………………………………………………………………........4


1. Становлення голландського живопису. Класифікація творів живопису по жанрам………………………………………………………………………5


2. Побутовий жанр. (Адріан ван Остаде, Стен Ян , Веермер Делфтський, Герард Терборх,)………………………………………………………………….6


3. Майстри голландського пейзажу. (Якоб Рейсдал, Ян ван Гойен)………..12


4.Голландський натюрморт та його особливості. (Пітер Клас, Вільям Хеда)………………………………………………………………………..18


5. Портретний жанр та його представник Франс Халс…………………….19


6. Оптимізм та велич живопису Рембрандта Харменса ван Рейна………..21


7. Висновок………………………………………………………………………28


8. Ілюстрації…………………………………………………………………… 30


9. Література……………………………………………………………………..61

ВСТУП



Коли сучасний глядач бачить на картині голландського живописця XVII століття зображення пейзажу або портрета, жанрової сцени або натюрморта, йому здається цілком природним, що художник черпає тему своїх творів з навколишньої дійсності, що саме зображення правдиве, життєве; у пейзажі наявна повітряна перспектива і є певний настрій; портрет, крім зовнішньої схожості, відображає індивідуальний характер і психологію людини; жанрова сцена розкриває типові риси народного побуту і вдач, а натюрморт переконливо передає відмітні якості конкретних речей.

Тим часом відмічені риси не існували одвічно в образотворчому мистецтві. І в середні віки, і, до певної міри, в епоху Відродження панування католицької для феодала ідеології сковував розвиток реалістичного бачення миру. Католицька церква і феодал, потреби, яких обслуговувало мистецтво, не були зацікавлені в правдивому зображенні дійсності.

Закономірно тому, що Нідерландська революція (1566 - 1609), що знищила в Голландії владу католицької церкви і феодальний лад, послужила одночасно і поштовхом до розквіту реалістичного мистецтва.



















  1. Становлення голландського живопису. Класифікація творів живопису по жанрам

У XVII ст. Голландія стала зразковою капіталістичною країною. Вона вела велику колоніальну торгівлю, у неї був потужний флот, кораблебудування було однією з провідних галузей промисловості. Навіть англійські судновласники часто робили замовлення голландським верфям. Працьовиті селяни, голландці на порівняно невеликих просторах землі зуміли створити таке молочне господарство, що прославилися на загальноєвропейському ринку. Наприкінці XVII - початку XVIII ст.з вступом на міжнародну торговельну арену Англії і Франції Голландія втрачає своє економічне й політичне значення, але протягом усього XVII століття вона є провідною економічною державою Європи.

Одночасно Голландія в цей період - і найважливіший центр європейської культури. Боротьба за національну незалежність, перемога бюргерства визначили і характер голландської культури XVII ст. Протестантизм (кальвінізм як його найбільш сувора форма), що витіснив повністю вплив католицької церкви, привів до того, що духовенство в Голландії не мала такого впливу на мистецтво, як у Фландрії і тим більше в Іспанії або Італії. Лейденський університет був центром вільнодумства. Духовна атмосфера сприяла розвитку філософії, природничих наук, математики. Відсутність багатого патриціату і католицького духовенства мало величезні наслідки для розвитку голландського мистецтва. У голландських художників був інший замовник: бюргери, що прикрашали не палаци та вілли, а скромні житла або громадські будівлі, - тому й картини в Голландії цієї пори не мають таких розмірів, як полотна Рубенса, і вирішують переважно станкові, а не монументально-декоративні завдання. У Голландії церква не грала ролі замовника творів мистецтва: храми не прикрашалися вівтарними образами, бо кальвінізм відкидав. Всякий натяк на розкіш, протестантські церкви були прості по архітектурі і ніяк не прикрашені всередині.

Сотні великих і малих майстрів звернулися до безпосереднього зображення навколишнього життя. Що відкрилася їх погляду краса реального миру була така нова, багатогранна і неосяжна, що охопити її у всіх проявах жоден з них і не намагався. Навпаки, художники якби розподілили світ між собою. Одні з них писали тільки портрети, інші — пейзажі, треті — натюрморти і т.д. Ця спеціалізація зайшла так далеко, що навіть в межах одного жанру художник обирав ще вужчу область. Так, наприклад, серед натюрмортистів існували живописці квітів, художники, що спеціалізувалися на зображенні риб, майстри «сніданків», живописці «мисливських трофеїв».

Процес утворення нових жанрів йшов вельми інтенсивно. З групи пейзажистів виділилися мариністи (художники що зображають море), анімалісти (життя тварин), живописні міських видів.

В області жанрового живопису з'явилися художники побуту селян і міських вдач. Ускладнилось і збагатився зміст портретного жанру, де разом з індивідуальним і сімейним портретом велике значення набрав портрет груповий корпоративний, в якому нові взаємини людей в буржуазному суспільстві відбилися якнайповніше.

Таким чином, в голландському мистецтві XVII століття з'явилися вже всі ті види живопису, які прийнято вважати їх і в наші дні. Створення нових жанрів відповідало прогресивним тенденціям мистецтва повніше і ширше відображати навколишню дійсність, проте вузька спеціалізація визнана гострою конкуренцією на художньому ринку (бо картина в умовах буржуазного суспільства стала товаром), обмежувала кругозір художника.

Ні церква, ні феодал не були більше замовниками голландського живописця, митець творив «на ринок». Але це зовсім не означало, що художник був абсолютно вільний в своїй творчості. Ринок, це є смак нового споживача витворів мистецтва - буржуа, пред'явив живописцеві свої вимоги. Ці вимоги молодого висхідного класу носили, особливо на перших порах, вельми тверезий, демократичний характер. Витвір мистецтва повинен бути схожий на правду, без прикрас відображати життя. Представник вчорашнього пригноблюваного третього стану, нині володар всіх матеріальних і духовних цінностей держави перш за все хотів бачити своє власне зображення. Його не бентежило, що з полотна дивилося не зовсім красиве і не дуже натхнене обличчя, що фігура не відрізнялася витонченістю, а костюм елегантністю. Головним було те, що зображена на портреті людина мала характер: в рисах обличчя була притаманна рішучість, в руках відчувалася чітка ділова хватка, у фігурі - сила.


2. Побутовий жанр. (Адріан ван Остаде, Стен Ян, Герард Терборх, Вермер Делфтський)

Адріан ван Остаде (біля 1610-1685), був майстром сільського побутового жанру. Вчився, ймовірно, у Франса Хальса, працював в Харлені.

В ранній період творчості писав грубувато-гротескні сцени банкетів і бійок в дусі фламандця Бракера ("Бійка" 1637 Державний вернісаж, Санк-Петербург), з кінця 1630-х під впливом живописця (маляра) Рембрандта, перейшов до м'якого колориту, використовував світлотіньові ефекти.

Це твори Адріана ван Остаде з сценами сільського життя ("Шкільний вчитель" 1662 Лувр, Париж). Ці твори відмічені добродушним гумором, поетичною спостережливістю.

Остаде народився в Гарлемі в сім'ї ткача. В 17 років Адріан поступив в майстерню видатного художника Ф.Хальса. Життя Остаде проходило спокійно, мирно в достатку. Він був шанованим бюргером Гарлема, належав до гільдії стрілків. В 1634 р. вступив у гільдію Св. Луки. В 1646 і 1661 - комісар, 1662 - декан гільдії. В нього була велика майстерня, багато учнів. Ним написано біля 800 живописних робіт, 50 офортів, сотні малюнків. Картини користувалися популярністю, малюнки і офорти бережливо зберігались власниками. Помер 1685.

Стен Ян (1626-1679), знаменитий голландський живописець, неперевершений майстер побутового жанру. Народився в Лейдені приблизно в 1626 році в сім'ї пивовара. Вчився живопису Стен спочатку у Ніколаса Кнюпфера в Утрехті, а потім, переїхавши до Гарлема, у своїй творчості зазнав впливу Адріана ван Остаде. Остаточно ж він розвинув свій талант і манеру письма під керівництвом художника Яна ван Гойена в Гаазі. Будучи учнем Яна ван Гойена, Стен спочатку писав пейзажі, але потім став зображувати сцени з життя середнього класу. Працював, як живописець, в Лейдені, а також у Делфті, Вармонде, Гарлема, Гаазі. Проживаючи в останньому з названих міст і займаючись живописом, Стен в той же час тримав на оренді пивоварню в Делфті. У 1661 році Стен переселився в місто Харлем, що став надалі ареною самої блискучої творчої діяльності художника. І, нарешті, після смерті свого батька, в 1669 році, художник остаточно оселився в Лейдені, де в 1672 відкрив корчму з готельними номерами. Писав портрети, пейзажі, біблійні композиції, але віддавав перевагу побутового жанру. Його картини, пронизані грубуватим, але добродушним народним гумором, відрізняються гострої, часом сатиричної характеристикою персонажів, живий спостережливістю, цікавість розповіді, майстерністю у передачі фігур, деталей обстановки і одягу ("Хвора і лікар", "П'яниці","Гра в трик-трак", 1667, - все в Ермітажі,Санкт-Петербург). Ян Стен черпав сюжети для своїх картин з побуту всіх верств сучасного йому голландського суспільства і зображував у своїх творах селянські гулянки, сцени в шинках і тавернах, модниць заможного класу, знатних голландських бюргерів і т. п.Картини Стіна на біблійні теми мають також жанровий характер, не чужий гумору.Найважливіші твори цього майстра: "Сімейство художника", "Клітка з папугою" (Рейксмузеум, Амстердам), "Зубний лікар", "Звіринець", "Уявна хвора дівчина", "Відвідини лікаря", "Як співають люди похилого віку так свище молодь" ( Мауріцхейс, Гаага),"Вербівка солдат" і "Галантний подарунок" (Королівський музей витончених мистецтв, Брюссель), "Шлюб у Кані Галілейській" (Картинна галерея, Дрезден), "Веселе товариство" (Музей Берлін-Далем), "Нічна серенада" (Картинна галерея,Прага) та інші.В Ермітажі і Державному музеї образотворчих мистецтв знаходяться наступні картини Яна Стіна: "Есфірь перед Артаксерксом", "Хвора і лікар", "Літній свято", "П'яниці", "Хворий старий", "Гравці в трик-трак", "Селянська весілля ",дві "Сцени в таверні" і "Вибір між молодістю і старістю".

Понад 500 картин які приписують йому - сцени з повсякденного життя, в яких дії відбуваються в кімнатах, на кухні і в таверні. Іноді Стен писав картини на біблейські, міфологічні і історичні сюжети, але завжди передавав їх як буденні події реального життя. В нього є картина яка називається " Гуляки".Сюжет самий низький: чоловік і жінка за столом в простій кімнаті обоє п'яні. Жінка заснула, поклавши голову на стіл, а чоловік ще намагається розкурити люльку і дивиться на глядача з неозброєною посмішкою. Він випив, задоволений, кращого не бажає. Всі предмети навколо також немов підгуляли, коливаються, скатертина з'їхала, тарілка на самому краю, ось-ось впаде, одна туфля валяється на підлозі, каструлі і глечики стоять криво-косо на полицях. При цьому все написано тонко, тепло, з золотистим відтінком, приємно виблискує мідний, скляний і поливаний посуд. Це картина-посмішка; вона запрошує глядача розсміятися у відповідь, і це буде краще, чим придирливо моралізування.

У 1660-1670-х роках художник Ян Стен був найпопулярнішим з усіх голландських жанристів. Твори Яна Стена надзвичайно оригінальні, пройняті глибокою правдивістю, щирістю і гумором. Малюнок в картинах художника іноді не відрізняється безумовною правильністю, але вельми виразний і впевнений; колорит - теплий і гармонійний; лист - широке, а іноді, особливо в зображенні одягу і людського тіла, тонка й делікатна. Перелічені гідності притаманні, однак, не всім роботам Стіна; деякі з них - недбалі по малюнку і сухуваті по листу. Син пивовара, він з 1654 року доповнив дохід художника, ставши власником готелю.Безумовно, що картини та багато інших робіт художника надихнули сценами веселощів, свідком і учасником яких був сам живописець.

Ян Стен є, мабуть, самим життєрадісним і дотепним живописцем Голландії 17 століття і самим відомим художником-жанрістом, завдяки гумористичним побутовим сценам у своїх картинах, наповнених теплою сердечністю, добродушністю і беззлобно іронією,в яких художник розглядає життя як обширну комедію звичаїв.У Яна Стіна не було ніяких зареєстрованих учнів (за винятком Ріхарда Брекенберга), але робіт художника широко наслідували багато голландські живописці ще за життя майстра.Точна дата смерті Яна Стіна (як і причина смерті) не встановлена, але відомо, що художник був похований 3 лютого 1679 в сімейній могилі в Пітерскерке на околиці Лейдена

Якщо ж розглядати голландський живопис загально, то на невеликих по розміру голландських картинах все видно до дрібниць: кожна цеглина в стіні, кожна плиточка на підлозі, троянди на меблях, візерунки на килимах. По візерункам можна безпомилково визначити походження килимів, звідки вони вивезені, кажуть що вивчаючи килими на картинах голландських художників, історики перевіряли і уточняли дані про торгові зв'язки Голландії.

Серед голландських жанристів виділяється високою живописною майстерністю Терборх. Герард Терборх, (1617-1681) народився на півночі Нідерландів в 1617 р. в сім'ї живописця Терборха Старшого.

Герард Терборх вважається одним з головних майстрів голландської жанрової живопису. Свої перші кроки в мистецтві він зробив під керівництвом свого батька, Герарда Терборха Старшого. Перші картини молодшого Герарда, датовані 1625 р., дбайливо зберігав батько, вони збереглися і до нашого часу.Це жанрові сцени, переважно ландшафти в околицях міста Зволле. До 1632 відносяться згадки про перебування Герарда Терборха в Амстердамі. У 1633 р. Герард Терборх відправився вчитися в Харлем до пейзажиста Пітеру де Моліну. Двома роками пізніше він отримав посаду майстра і відповідно право підпису власних робіт. Перша картина майстра Терборха датується 1635 Влітку того ж року Терборх їде до Лондона до свого дядька, Роберту Ван версту, успішному гравер по міді. Тут він знайомиться з Антонісом Ван Дейком. Приблизно в 1636 р. Терборх повертається на деякий час в Зволле. Звідки він їздить вчитися до Італії та Іспанії. У Мадриді він пише портрет іспанського короля Філіпа IV, який, на жаль, не зберігся. З 1640 по 1645 рр., він проживає в Голландії, переважно в Амстердамі.

В Амстердамі прокидається його інтерес до жанрової живопису. Він стає популярним портретистом завдяки свою поїздку до Мюнстер на мирні переговори між Голландією та Іспанією в 1646 р. на запрошення голландського посла Адріана Поу. У Мюнстері Тербох пише портрети присутніх на переговорах дипломатів, чим приваблює увагу іспанського посла графа Пеньеранда. Граф приймає Терборха на службу, і Герард Терборх присутній при укладанні Версальського миру між Голландією та Іспанією 15 травня 1648, цю подію він закарбував у своїй відомій картині «Укладення миру в Мюнстері» ("Урочистій клятві при ратифікації Мюстерського договору"1648), що зберігається в даний час в Національній галереї в Лондоні. У тому ж році Герард Тербох повертається до Голландії і працює в різних містах країни. Він живе по черзі в Амстердамі, Гаазі, Гарлема, Кампене і Зволле. За короткий час він досяг справжньої майстерності у жанровій живопису і став найбільш значним представником жанру. Після одруження 14 лютого 1654 залишився в Девентер. З 1660він все більше тяжіє до портретного живопису, в цей час Терборхом було створено лише кілька жанрових картин.

Віддав дань "низькому жанру", створивши один з найдосконаліших його образів ("Сім'я точильника", поч. 1650 р. Картинна галерея державного музею, Берлін), написав немало сцен з військового побуту ("Солдати, що грають в карти" 1640, там саме " Солдат, що заснув", 1650 р. музей Вальраф-Рихару-Людвіг, Кьольн).

Але Терборх не просто віртуозний, але і дуже тонкий живописець. Віппер говорив про нього, "мабуть ніхто з голландських живописців не вмів з такою природністю, як Терборх передавати специфіку жесту жінки коли вона шиє, тримає келих вина, чи лютню, чи миє руки; і не тільки жест, а й рух тіла, поворот голови, погляд". Він же відмічає у Терборха часту для малих голландців атмосферу "невловимих емоційних флюїдів", як в ермітажному "Келих лимонаду", де між кавалером і молодою жінкою іде таких м'який, але тривалий діалог поглядів і дотиків.

Картини Терборха настільки передавали людський стан, що часто мали підтекст. Чудова дрезденська картина Терборха "Жінка, що миє руки". Що може бути найпростішим - служанка поливає воду з глечика, господиня стоячи, миє руки, тихенький песик сидить і кидає розумний погляд на глядача. Але нам відкрита грація природності, навіть неусвідомлюючу пластичність.

До числа найкращих творів майстра належать також: "Концерт " (1672-1675) (Берлін), "Туалет дами", інститут мистецтв, Детройт, "Автопортрет ", Маурнухейс, Гаага

Але безперечно в більшій мірі володіє живописними чарами, які перетворюють все в діамант, художник якого справедливо можна назвати "великим малим голландцем". Глибоке поетичне почуття, бездоганний смак, найтонший колорізм визначають творчість найвидатнішого з майстрів жанрової живопису, третього після Хальса і Рембрандта, великого голландського живописця - Яна Вермера Дельфтського (1632-1675).

Ян Вермер ван Делфтский (1632-1675), голландський живописець, найбільший майстер нідерландської жанрової і пейзажного живопису. Дата народження художника невідома, проте зберігся запис про його хрещення в Нової церкви Делфта (хрещений 31 жовтня 1632) можна припустити, що майбутній великий нідерландський художник народився в кінці жовтня. Працював Вермеер в Делфті, як художник, ймовірно, вплив на його творчість справив трагічно загиблий при вибуху порохового складу талановитий майстр Карел Фабриціус. Існує версія, що молодий Вермеер міг навчатися у «італьяніста» Леонарта Бреймера, з яким його родина підтримувала досить близькі стосунки. Достовірно відомо, що 29 грудня 1653 художника-початківця взяли вільним майстром в Делфтського гільдію Святого Луки, що об'єднувала живописців всіх жанрів, майстрів скляних і фаянсових справ, ювелірів і торговців картинами.Ранні картини Вермеєра відзначені тягою до монументальності і височини образів, і, крім того, свідчать про вплив італійського бароко ("Христос у Марфи і Марії", Національна галерея, Единбург; «Діана та німфи», Мауріцхейс, Гаага, 1653-1655).

Особливо гармонічна і зрозумілою за композиційному побудови картина «Дівчина з листом» (кінець 1650-х років, Дрезден, Картинна галерея), картина, насичена повітрям і світлом, витримана в бронзово-зелених, червонуватих, золотистих тонах, серед яких виблискують жовті і сині фарби,переважаючі в натюрморті переднього плану. На відміну від теплого, м'якого світла, як ніби випромінюваного самими об'єктами зображення в картинах Рембрандта, Вермер заливає весь інтер'єр кімнати холодним денним світлом. Він чітко моделює обсяги предметів, виявляє фактуру поверхні кожного з них.Благородству, життєвому багатства і стриманості всього ладу художнього твору відповідає образ спокійної молодої жінки, зануреної в читання листа, нерозривно пов'язаний зі станом тиші і спокою, втіленими в цій картині.

Неквапливо впевнена у рухах, чарівна й природна жінка з народу в картині «Служниця з глеком молока», пронизаної світлим оптимізмом (1657-1660, Амстердам, Рейксмузеум) і відтворюють особливу, опоетизований атмосферу повсякденного життя.Зовнішність молодої жінки дихає здорової силою, моральною чистотою; предмети, її оточують, написані з дивовижною життєвою достовірністю, здається відчутною м'якість свіжого хліба, гладка поверхня глечика, густота ллється молока.Тут, як і в ряді інших творів Вермера, виявляється його разючий дар тонко відчувати і передавати життя речей, багатство і розмаїття форм реальних предметів, вібрацію світла і повітря навколо них.

Людина для Вермера невіддільний від поетичного світу, якою захоплюються художник і який знаходить таке своєрідне переломлення в його творіннях, по-своєму втілюють уявлення про красу, про розміреному спокійному плині життя, про щастя людини.

До кращих картин цього жанрового плану належать "Дама і два кавалера" (Музей Антона Ульріха, Брауншвейг), "Офіцер і весела дівчина" (Відомості Фрік, Нью-Йорк), "Дівчина, приміряються намисто" (Картинна галерея, Берлін-Далем) , "Дама в блакитному, що читає лист" (Рейксмузеум, Амстердам),"Дівчина з глечиком води" (Музей Метрополітен,Нью-Йорк).Навіть, здавалося б, чисто побутовий, зовсім не галантний жанр ("Молочниця", Рейксмузеум, Амстердам;"Мереживницю", Музей Лувр) сповнений в полотнах Вермеєра чарівності невимовною таємниці, що досягає особливої, алегоричній складності в картині «Мистецтво живопису» (також «Майстерня художника» або «Алегорія живопису», Музей історії мистецтва, Відень).

Дивовижне майстерність Вермера виявляється і в двох написаних ним пейзажах, що відносяться до чудових зразків цього жанру живопису не лише в голландському, а й у світовому мистецтві. Надзвичайно простий мотив картини «Вуличка» (близько 1658, Амстердам, Рейксмузеум), вірніше, її маленької частини, з фасадом цегляного будинку, зображеної в сірий, похмурий день. Дивує матеріальна відчутність кожного предмета, натхненність кожної деталі.Зовсім інший характер носить «Вигляд міста Дельфта» ( між 1658-1660 роками, Гаага, Мауріцхейс). Художник дивиться на рідне місто в літній день після дощу. Сонячні промені починають пробиватися крізь вологі сріблясті хмари, і вся картина виблискує і іскриться безліччю барвистих відтінків і світлових відблисків і разом з тим захоплює цілісністю і поетичною красою.

Тяжіння до зображення сонячного світла, повітряного середовища, гармонія і ясність бачення світу, майстерність узагальнення у поєднанні з вражаючим чуттям деталі і барвистого нюансу,споглядальне спокій і поетизація дійсності - всі ці риси висувають Вермера до числа найбільших живописців поетичного складу у світовій живопису.

Класична ясність, природність і жива виразність композиції, легка вібрація світла і повітря, світлонасиченність звучного кольору, багатогранність відтінків і ковзаючих рефлексів, барвистість відблисків одухотворяє світ людей і предметів, повідомляють їм внутрішню значущість.Наприкінці 1650-х років Вермеер створив два шедеври пейзажного живопису: лірично проникливу, тонку по виконанню картину "Вуличка" (Державний музей, Амстердам) і сяючий свіжими, чистими, м'якими фарбами "Вид міста Делфта" (Мауріцхейс, Гаага).У 1660-ті роки творчість Вермеєра стає більш споглядальним і вишуканим, живопис - більш холодною, матово-емалевою, витриманої в перловою гамі з яскравими плямами лимонно-жовтих і голубувато-синіх тонів ("Дівчина з перловою сережкою", Мауріцхейс, Гаага).

У 1662-1663 і 1670-1671 роках Ян Вермеер обіймав посаду декана гільдії Святого Луки в Делфті і успішно керував її діяльністю.Посада декана гільдії живописців та інших майстрів, пов'язаних з мистецтвом, вважалася дуже почесною і це свідчить про авторитет Яна Вермеєра в Делфті, як художника і знавця мистецтв.За полотна Яна Вермеєра ще за життя художника пропонували досить великі суми, хоча в основному Делфтский живописець писав картини для своїх замовників-меценатів.Головними покровителями Вермеєра і шанувальниками його мистецтва були власник друкарською майстерні Якоб Діссіус, пекар Хендрік ван бийте і багатий бюргер Пітер ван Рюйвен.

Наприкінці 1660-х років художник став часто зображувати багато обставлені кімнати, в яких дами і кавалери музіціруют, ведуть галантні бесіди ("Любовний лист", Рейксмузеум, Амстердам, та ін).Особливим чарівністю володіють створені в цей період образи людей праці, мистецтва, науки, передають самозаглибленості людини в хвилини творчості ("Мереживницю" і "Астроном", обидві картини в музеї Лувру, Париж; "Географ", Штеделевскій художній інститут, Франкфурт).Багато хто з жанрових сцен Вермеєра суть узагальнені жанрові портрети.Їх ліризм настільки переконливий, що вони здаються уособленнями жіночності як такої, втіленнями душі, як би що сумує на темному, нічному фоні в "Дівчині з перлиною", або, навпаки, допитливого розуму - в пізніх картинах "Географ" і "Астроном".

В останні роки життя Вермера його фінансове становище сильно погіршився у зв'язку з початком у 1672 році франко-голландської війною. Попит на картини різко впав, живописець змушений був брати позики, щоб прогодувати одинадцятеро дітей та інших членів сім'ї. Важке матеріальне становище, ймовірно, прискорило наближення смерті. Невідомо, що сталося, гостре захворювання, або неминуча депресія у зв'язку з постійними фінансовими проблемами, яка підточувала здоров'я художника останні кілька років, але поховали Вермеєра 15 грудня 1675 у сімейному склепі у Делфті.Яскраво індивідуальне мистецтво Вермеєра після його смерті не була оцінена сучасниками і надовго забулося. Інтерес до нього відродився лише в XIX столітті, завдяки діяльності художнього критика та історика мистецтва Етьєна Теофіля Торі, який «відкрив» Вермеєра для широкої публіки в 1866 році.

3.Майстри голландського пейзажу. (Якоб Рейсдал, Ян ван Гойен)

Перше місце серед голландських пейзажистів належить романтично налаштованому художнику Якобу Рейсдалу (1628/29-1682). Якоб ван народився в Гарлема в 1628 або 1629 році. Більш точну дату народження художника встановити неможливо, оскільки найбільш ранній документ, пов'язаний з Рейсдалом, датований 9 червня 1661. У цьому документі художник запевняє, що йому виповнилося 32 роки. За великим рахунком, це - одне з небагатьох свідчень, за якими можна відновити хоча б канву біографії Рейсдала. До нас не дійшло ні листів, ні щоденникових записів майстра. Не має навіть його достовірного автопортрета, не кажучи вже про спогади сучасників.

Першим про життя і творчість Рейсдала написав голландський художник Арнольд Хаубракен (1660-1719), що склав значну тритомну антологію голландських живописців XVII століття.Тома цієї книжки виходили в 1718-21 роках (остання частина трилогії була опублікована вже після смерті автора) під загальною назвою «Велике огляд голландських художників і художниць». Робота Хаубракена містить безліч цікавої, але, на жаль, частіше за все, неточної інформації, почерпнутої автором з різних (часом досить сумнівних) джерел. Так, наприклад, Хаубракен пише про те, що Рембрандт був єдиною дитиною в сім'ї, хоча відомо, що у нього було декілька братів і сестер. Ось чому з такою обережністю доводиться ставитися і до того, що автор розповідає нам про інші свої героїв, в тому числі - про Якобі ван Рейсдале.

Отже, Рейсдал народився в родині художників і ремісників. Його дід, Якоб де Гойер, був майстром-червонодеревником і жив біля замку Рейсдал, приблизно в 20 милях на південний схід від Амстердама. У Якоба де Гойер було четверо синів, і троє з них змінили на честь своєї «малої батьківщини» прізвище на ван. Двоє синів Якоба, Ісаак (1599-1677) і Саломон (бл. 1600-1670), стали художниками і приблизно в 1616 році поселилися в Гарлема.

Ісаак ван батько Рейдала також був живописцем, але до нас не дійшло жодної картини, підписаної його іменем. Зате абсолютно тічно відомо, що він заробляв на життя виготовленням картинних рам. І час від часу приторговував полотнами другорядних голландських художників. Саломон ван, дядько Якоба ван, був набагато талановитіший свого брата і зумів стати одним з найвідоміших в Голландії пейзажистів свого часу. До нас дійшло чимало його картин, багато з яких підписані.Цікаво, що він вважав за краще підписуватися як «Рюйсдел», в той час як Ісаак називав себе Рейсдалом.

Логічно припустити, що з азами художнього ремесла Якоба познайомили його батько і (або) його дядько, Саломон. Здатність до живопису виявилися у Якоба дуже рано. Вже сама перша його збереглася робота, датована 1646 роком, виглядає твором зрілого майстра, - але ж (якщо, звичайно, наші припущення вірні) йому виповнилося тоді лише 18 років. З повною упевненістю можна сказати,що в 1648 році Рейсдал став членом гільдії художників Гарлема. Цю інформацію можна почерпнути із списку членів гільдії.

У молодості Рейсдал досить багато подорожував у пошуках натури - не від'їжджаючи, втім, від рідного Гарлема далі, ніж на сто миль. У середині 1650-х років художник переїхав з Гарлема в Амстердам, де і прожив до кінця своїх днів.

Столичний Амстердам за часів Рейсдала разюче відрізнявся від провінційного Гарлема (хоча відстань між цими містами навіть тоді подолали за дві години). Самим раннім документом, що належать до амстердамському періоду життя майстра, вважається запис від 14 червня 1657 року, що сповіщає про те, що Якоб ван прийняв хрещення в голландській реформатської церкви. Ймовірно, до цього моменту художник належав до менонітам (як його батько і дядько). Через два роки Рейсдал отримав права громадянина Амстердама, а в наступному, 1660 році написав рекомендаційний лист Мейндерту Хоббеме, в якому згадує про те, що цей молодий живопереписувач потягом декількох років був його учнем і помічником ». Таким чином, хобі можна вважати єдиним достеменно відомим учнем Рейсдала. Ймовірно, вчитель і учень не тільки разом працювали, а й дружили. У 1668 році, як свідчить збереглася в міських архівах запис, Якоб ван був свідком під час одруження Мейндерта Хоббеми.

Свої картини Рейсдал писав не по приватних замовленнях, а для вільного продажу, тому нам складно судити про рівень його доходів. Правда, є непрямі свідчення того, що фінансові справи живописця поступово йшли в гору. Приблизно в 1670 році він переїхав в самий центр міста, на площу Дам, де зняв квартиру прямо над лавкою Іеронімуса Свеертса, торговця картинами і книгами. Лісовий пейзаж він полюбляв особливо. Його називали "психологом лісу". Він часто пише дерева, опалені блискавкою і коливаючись від бурі.

"Млин біля Вейка" 1670 р.

Інтенсивне житгя природи висловлює людські пристрасті. Природа немов говорить людськими голосами, і тому художнику не потрібно зображувати людські фігури. Цей пейзаж безлюдний. Спостереження натури художник поєднав з придуманими мотивом.

Співвідношення двох стихій природи - небесної і земної, хвилювали всіх голландських майстрів пейзажу. Співставлення функцій них стихій, підсилює контрасти колориту. Рейсдал досягнув межі гостроти.

Рейсдал відчуває драматизм життя природи - життя, вперто прокладаючи собі шлях, знову і знову огортає молодими пагонами мертві, засохлі стовбури.

І тільки в одній композиції володарює величава тиша смерті - це його відоме "Єврейське кладовище ", де "с неба лунные лучи скользят на камни гробовые".

Більша частина відомостей про життя Рейсдала була зібрана дослідниками тільки в XX столітті. Точної інформації у нас дуже небагато.Так, довгий час вважалося, що художник помер у злиднях і забутті в одній з богаделен Гарлема, і тільки в 1932 році вченим вдалося довести, що в богадільні помер зовсім не він, а його кузен Якоб (бл. 1630-1681), син Саломона. Причиною непорозуміння стало збіг професії і майже повний збіг імен і прізвищ. Кузен героя нашого випуску теж був художником і теж підписувався як Якоб ван. В кінці життя він дійсно зійшов з розуму і помер у харлемском притулку для бездомних 13 листопада 1681.

Що ж стосується самого Рейсдала, то він на кілька місяців пережив свого двоюрідного брата і помер на початку наступного року. По всій видимості, смерть наздогнала його в Амстердамі, але потім його прах перевезли до Харлем і 14 березня 1682 поховали в церкві святого Ісак ван Остаде, брат і учень Адріана ван Остаде, став працювати самостійно з кінця 30-х рр..Незважаючи на своє коротке життя, він написав близько ста картин, які дуже близькі за сюжетами картин його брата, внаслідок чого їх часто плутають. Більшість творів Ісаака ван Остаде знаходиться в приватних англійських колекціях. Картини І.ван Остаде зберігаються в музеях Берліна, в Луврі та у мюнхенській Старій пінакотеки.

Учнем Рейсдала був талановитий Гоббема, пейзажист більш м'якого і життєвого складу. Він часто брав ті ж пейзажні мотиви, що і Рейсдал, проте, це інша природа, бо інше відношення до неї художника.

Рейсдал бачить пейзаж в вагомих, темних масивах - Гоббем в легких, наскрізних формах. Для нього характерна оригінальна композиція що запам'ятовується "Алея в Міделгарнісі"з високими, дуже тонкими стовбурами, які зорово не зливаються в єдине, а утворюють гарну ажурну решітку на фоні неба. Пейзажний жанр Голландії XVII століття особливо цікавий.Це не природа взагалі, якась загальна картина світобудови, а національний, саме голландський пейзаж, який ми дізнаємося і в сучасній Голландії: знамениті вітряні млини, пустельні дюни, канали зі ковзаючими по них човнами влітку і з ковзанярем - взимку. Повітря насичене вологою.Сіре небо займає в композиціях велике місце. Саме такий зображують Голландію Ян ван Гойен (1596-1656) і Саломон ван (1600/1603-1670).

Розквіт пейзажного живопису в голландській школі відноситься до середини XVII ст. Найбільшим майстром реалістичного пейзажу був Якоб ван (1628/29-1682), художник невичерпною фантазії. Його твори зазвичай виконані глибокого драматизму, зображує він лісові хащі («Лісове болото»), ландшафти з водоспадами («Водоспад») або романтичний пейзаж з кладовищем («Єврейське кладовище»). Природа у Рейсдала постає в динаміці, у вічному оновленні.Навіть найпростіші мотиви природи набувають під пензлем художника монументальний характер. Рейсдалу властиво поєднувати ретельну випісанность з великою життєвою цілісністю, з синтетичністю образу.

Ян ван Гойен (1596-1656), основоположник національного реалістичного пейзажа голландському живописі, значну частину життя провів подорожуючи по багатьом країнам світу.

Ян ван Гойен по праву вважається главою школи реалістичного пейзажу в Голландії першої половини XVII століття. Художник любив писати морські пейзажі і береги річок. Поміщаючи лінію горизонту дуже низько, він надавав великого значення неба і освітленню.Незважаючи на те що за життя ван Гойена цінували мало, з часів імпресіонізму він вважається одним з найбільших голландських пейзажистів.

Основні відомості про життя ван Гойена можна почерпнути з історичної хроніки міста Лейден, складеної Яном Орлерсом, і книги Арнольда Хаубракена: «Ян ван Гойен народився в Лейдені в 1596 році.Його батько любив мистецтво і, помітивши талант сина, віддав його в навчання початковим основам мистецтва ... Потім батько послав його навчатися живопису по склу.Але Ян ван Гойен оголосив, що тільки заняття олійним живописом доставляють йому задоволення, тому, щоб не перешкоджати його прагненням, батько послав його в Горн ... до вілли Герретцену, у якого той близько двох років працював з ретельністю і старанністю.Після цього він знову приїхав у Лейден і працював самостійно. Коли йому було близько 19 років і у нього з'явилося бажання мандрувати, він поїхав до Франції, але після того, як відвідав найважливіші міста, повернувся назад.Тут його батько, щоб син мав тепер достатній успіх і щоб підготувати з нього великого майстра, поїхав з ним в Харлем і привів його до відомого пейзажиста Есайасу ван де Велде, у якого той залишався рік і зробив такі успіхи, що кожен дивувався.Потім він одружився і працював з 1631 в Лейдені. Потім виїхав з якоїсь причини до Гааги, де і помер в кінці квітня 1656.Він писав здебільшого спокійні водні пейзажі з милими його серцю торговими та риболовецькими судами, церквою або який-небудь селом на задньому плані, які він здебільшого замальовував на природі. Ці заштриховані чорним дрібному листи продавалися, і їх дуже високо цінували аматори ».

Живучи з 1631 і до самої смерті (27 квітня 1656) в Гаазі, Ван Гойен багато подорожував по рідній країні, роблячи замальовки в альбомах. До нас дійшли чотири альбоми і сотні розрізнених листів.

У своїх ранніх роботах Ван Гойен пише і жанрові сцени і пейзажі. Характерним прикладом подібних робіт є «Пором» (1625).Твори тридцятих-сорокових років дозволяють вже говорити про сформованого пейзажиста, що має своє творче обличчя, свої теми і почерк.

У картині «Пейзаж із селянської хатиною» (1634) можна знайти всі характерні прийоми цього періоду: діагональна композиція, чергування смуг світла і тіні, тональні рішення колірної гами. Невигадлива композиція та «Пейзаж з дубом», де зображенне кремезне дерево біля хатин і подорожні на дорозі.

«Ці картини Гойена, незважаючи на щоденність мотиву, саме завдяки йому, відкривають новий етап в пейзажному живописі, - пише Ю.А. Кузніцов - «Конкретність сюжету посилена у них підкресленою матеріальність і відчутно у трактуванні предметного світу, прийоми тонального колориту створюють відчуття єдиної световоздушной середовища. Навіть помилки в цих творах показові.Ми бачимо, що художник ставить перед собою нове важливе завдання: зображення сонячного світла. На картині є все: і контраст освітлених і затемнених ділянок, і падаючі тіні - немає лише сонячного світла. Та в рамках тональної живопису передати його було і неможливо, так як і тіні і світла писалися при цьому в однаково холодних тонах, а основний закон ефекту сонячного освітлення полягає в контрасті теплих і холодних світил тіней ».

Після переїзду до Гааги художник став створювати марини («Спокійна вода», «Парусна човен») і «відкриті» річкові пейзажі («Вид на Дордрехт з Папендрехта» (1633), «Вид на Оверсхі» (1635)).Йому подобається писати гирлі річки з одягу, що видніється вдалині гаванню: «Вид на Віяло у вітряну погоду» (1639), «Вид на Зюдерзе у Муйдерберга» (1640). Створює Ваг Гойен і картини берегової панорами: «Вид далечінь» (1641), «Далі» (1641).

Ян ван Гойен створив види багатьох міст Голландії, особливо часто він писав Нейменген і Дордрехт: «Вид на Дордрехт з Папендрехта» (1633), «Вид Мерведе у Дордрехт», «Вид Неймегена» (1643), «Вид Неймегена з Фалкенхофом» ( 1648), «Вид річки Баал поблизу Неймегена» (1649).

Як приклад можна привести картину «Вид річки Баал поблизу Неймегена». Художник пише краєвид, мовби побачений очима подорожнього, пішохода. Перед ним розстилається широка голландська рівнина, повільно тече річка, неквапливо вовтузяться люди близько човнів, стоять корови на піщаній мілині, між будівлями старовинної фортеці то там, то тут зеленіють дерева, і треба всім встає високу хмарне небо.Горизонт опущений дуже низько, і у глядача складається враження повної природності зображеного. Картина здається написаної однією-двома фарбами;і без того приглушені тони, які Гойен міг спостерігати в натурі, у картині ще більше невизначені, як і обриси і фактура предметів, але в межах обмеженою барвистої гамми розвивається все багатство відтінків, переходів кольору. Гойен чудово розраховує лінійну, колірну, повітряну перспективу, створюючи ілюзію глибини простору. Дивлячись на картину, майже фізично відчуваєш щільність насиченою вологою атмосфери.

Арнольд Хаубракен пише про метод роботи художника: «Після того, як він записав все полотно більш-менш багатокольоровим, він почав ставити на задньому плані клякси фарби, з яких позначилися селянські будинки ... Коротше кажучи, його досвідчене око в хаосі нераспутанних ще фарб вишукував лежать там образи ... і картина була закінчена абсолютно перш, ніж можна було зміркувати,що він власне має намір зробити ».

Ван Гойен великий майстер зимового пейзажу. У сорокові роки подібні картини створюються у вигляді панорами одного з голландських міст, де на передньому плані замерзла річка: «Зимовий вид в околицях Гааги» (1645) і «Зимовий пейзаж», «На льоду поблизу Дордрехт» (1644), «Катання на ковзанах та санчатах». Одна з найвідоміших «зимових» картин художника «ковзанярі» (1641).

Невелика за розміром картина виконана в найтонших нюансах сріблясто-сірих тонів. Є.Ю. Фехнера пише: «В атмосфері холодного зимового дня фігури ковзанярів поступово перетворюються на ледь помітні силуети. Лише одне колірне пляма орієнтує очей - це червоний колір плаща людини на передньому плані. Висока хмарне небо зливається на горизонті з гладдю замерзлої річки. Що тягнеться на всі боки крижана поверхня сприяє враженню безмежного простору.

Якщо "ковзанярі" Гойена - наочний зразок тональної живопису з м'яким, без планових поділів розгортанням простору в глибину, то в картині "Зимовий вид в околицях Гааги", написаної чотири роки потому,виступає новий важливий чинник його мистецтва - протиставлення світлих і темних планів.Зберігаючи тональний єдність і підкреслено горизонтальні протяжності, художник тепер будує картину на контрасті між першим темним планом і світліючого даллю ».

У пізньому етапі творчості художника палітра стає більш світлим та різноманітною.Такими є «Вид на річці Маас» (1645), «Човни в тихому море» (1646) і «Голландський пейзаж». Тут художник демонструє свої найкращі якості - винятковий дар колориста і блискуче володіння повітряної перспективою.

Останні роботи художника гідними його таланту: «Річковий пейзаж з рибальському човні» (1653), «Харлемское море» (1656), «Річка з човнами», «Гирло річки з виходять судами» (1655).

Як завжди куточок голландської природи, зображений художником з невибагливою простотою, сприймається як частина великого світу, створеного як би з єдиного речовини, перейнятого невпинним рухом.

4. Портретний жанр та його представник Франс Халс. Історію голландського живопису XVII ст. чудово демонструє еволюція творчості одного з найбільших портретистів Голландії Франса Халса (близько 1580-1666). Халс багато працює в жанрі групового портрета. Це в основному зображення стрілецьких гільдій - корпорацій офіцерів для оборони та охорони міст. Бюргери хотіли бути увічненими на полотні, вони вносили певний внесок за право бути зображеними, і художник зобов'язаний був пам'ятати про рівне увазі до кожної моделі. Але не портретну схожість полонить нас у цих творах Халса.У них виражені ідеали молодої республіки, почуття свободи, рівноправності, товариства. З полотен цих років дивляться життєрадісні, енергійні, заповзятливі люди, впевнені в своїх силах і в завтрашньому дні («Стрілецька гільдія св. Адріана», 1627 і 1633; «Стрілецька гільдія св. Георгія», 1627). Халс зображує їх зазвичай у товариській гулянці, у веселому застілля. Великі розміри композиції, витягнутої по горизонталі, інтенсивні, насичені кольори (жовтий, червоний, синій і т. д.) створюють монументальний характер зображення. Художник виступає історіографом цілої епохи. Індивідуальні портрети Халса дослідники іноді називають жанровими через конкретну специфічності зображення, визначеного прийому характеристики. У позі гойдається на стільці Хейтхейзена є щось нестійке, вираз обличчя ніби ось-ось повинно змінитися. Портрет п'яної баби, «гарлемських відьми», власниця харчевні Малле Баббо (початок 30-х років), з совою на плечі й пивної кухлем у руці, носить риси жанрової картини. Ескізна манера Халса, його сміливе лист, коли мазок ліпить і форму, і обсяг і передає колір;мазок то жирний, пастозність, густо покриває полотно, то що дозволяє простежити тон грунту, акцентіровка однієї деталі і недомовленість другий, внутрішня динаміка, вміння по одному натяку визначити ціле - це типові риси почерку Халса. У портретах Халса пізнього періоду (50-60-ті роки) зникає безтурботна завзятість, енергія, натиск в характерах зображених осіб. У Ермітажної чоловічому портреті при всій імпозантності фігури, навіть деякої пиховитості простежується втома і смуток. Ці риси ще більше посилені в блискучому з живопису портреті чоловіки у крислатому капелюсі з музею в Касселі (60-і роки). Хале в ці роки перестає бути популярним, тому що ніколи не лестить і виявляється чужий що переродилися, таким, що втратив демократичний дух смакам багатих замовників. Але саме в пізній період творчості Хале досягає вершини майстерності і створює найбільш глибокі твори. Колорит його картин стає майже монохромним. Це звичайно темна, чорна одяг, з білим коміром та манжетами, і темно-оливковий колір фону.Лаконічна мальовнича палітра побудована, однак, на найтонших градаціях. За два роки до смерті, в 1664 р., Халс знову повертається до групового портрета. Він пише два портрети - регентів і регентша притулку для людей похилого віку, в одному з яких сам знайшов притулок у кінці життя.У портреті регентів немає духу товариства колишніх композицій, моделі роз'єднані, безсилі, у них каламутні погляди, спустошення написано на їхніх обличчях. У похмурий колорит (чорне, сіре і біле) особливу напругу вносить рожево-червона пляма тканини на коліні одного з регентів.Так, на дев'ятому десятку років хворий, самотній і жебрак художник створює свої самі драматичні й самі вишукані з майстерності твори. Мистецтво Халса мало величезне значення для свого часу, воно вплинуло на розвиток не тільки портрета, але і побутового жанру, пейзажу, натюрморту. І ніхто з голландських портретистів не враховуючи, звичайно, Рембрандта, не може зрівнятися з старійшиною Франсом Халсом.

5. Голландський натюрморт та його особливості. (Вільєм Кальф) Блискучого розвитку досягає натюрморт.Голландський натюрморт - це на відміну від фламандського скромні за розмірами і за мотивами картини інтимного характеру. Пітер Клас (близько 1597 - 1661), Біллем Хедаят (1594-1680/82) найчастіше зображали так звані сніданки: страви з окостом або пирогом на відносно скромно сервірований стіл.У вмілій компонуванні предмети показані так, що відчувається як би внутрішнє життя речей (недарма голландці називали натюрморт «stilliven» - «тихе життя», а не «nature morte» - «мертва природа». Правда, як вернозамечено І. В. Линник, «тихе життя» - це більш пізній поетичний переклад.Мовою XVII століття це означало «нерухома модель», що більш відповідає практичної кмітливості і діловому підходу голландців того часу). Колорит стриманий і вишуканий (Хеда. «Сніданок з омаром», 1648; Клас. «Натюрморт зі свічкою», 1627).

Зі зміною життя голландського суспільства у другій половині XVII ст., З поступовим наростанням прагнення буржуазії до аристократизація і втратою нею колишнього демократизму змінюється і характер натюрмортів. «Сніданки» Хеди змінюються розкішними «десертами» Калфа.На зміну простій начиння приходять мармурові столи, килимові скатертини, срібні кубки, судини з перламутрових раковин, кришталеві келихи. Калф досягає вражаючою віртуозності в передачі фактури персиків, винограду, кришталевих поверхонь.Єдиний тон натюрмортів колишнього періоду змінюється багатою градацією найвишуканіших барвистих відтінків.

Голландський натюрморт - одне з художнього перетворення самої важливої теми голландського мистецтва - теми приватного життя звичайної людини.Ця тема в повній мірі отримала своє втілення у жанровій картині. У 20-30-х роках XVII ст. голландці створили особливий тип невеликий мелкофігурной картини. 40-60-ті роки - розквіт живопису, що прославляє спокійний бюргерський побут Голландії, розмірене повсякденне існування.Але ще в колі Франса Халса, де склався і Адріан Броувер, фламандський живописець, сформувався чіткий інтерес до тем з селянського побуту. Адріан ван Остаде (1610-1685) зображує спочатку тіньові сторони побуту селянства («Бійка»).З 40-х років в його творчості сатиричні ноти все частіше змінюються гумористичними («В сільському шинку», 1660). Іноді ці маленькі картини пофарбовані великим ліричним почуттям.По праву шедевром живопису Остаде вважається його «Живописець в майстерні» (1663), в якому художник прославляє творчу працю, не вдаючись до декларації, ні до патетики.

В Голландії полюбляли зображувати атмосферу свята, вузької компанії людей, в якій один одного знали і цінували. Людей, що зібрались за столом, який накритий чарками з вином, вазами з фруктами, овочами та іншою їжею.

З часом ці предмети немов би вирізались з банкетного столу, перетворювались в чистий натюрморт. Проте і в такому вигляді предмети і їжа, довгий час зберігали свій власний характер. В їх підборі, розміщенні панувала та ж дисципліна, що і в групових портретах, зберігалась парадна вишуканість суспільного свята, був присутній елемент випадковості, інтимності, яку вносило в картину реальне життя..

Цей вид натюрмортів отримав назву "сніданків", набув найбільш досконалих і завершених рис в творчості живописців херлемської школи Пітера Клааса і Вільяма Хеди.

Вони стали творцями національного натюрморту з зображеннями накритих столів, заставлених наборами предметів, типових для сімейного голландського бюргера 30-40-х років. Інтимність, простота і серйозність цих творів відображають побутовий устрій, смаки, симпатії і настрої першого покоління голландською буржуа, які виросли в вільній, незалежній країні.

Віллем Клас Хедаят. 1594-1680/82 Жанр натюрморту набув великого поширення в Голландії в XVII столітті.Харлемскій живописець Віллем Клас Хедаят писав головним чином так звані "сніданки" - зібране на краю столу невелика кількість буденних речей, зображення яких має прихований алегоричний сенс: згасла свічка, символ закінчив життя, дає ключ до його прочитання.Срібний посуд означає земне багатство, шинка - чуттєві радості, лимон - зовнішню красу, всередині якої він маскує гіркоту. У картині укладено роздуми про тлінність існування людини на Землі, заклик подбати не про тіло, а про душу. Віллем Клас Хедаят працював у Гарлема.Свою кар'єру він починав з живописця картин на релігійні сюжети і портретів. Пізніше художник став писати лише натюрморти. Їх високо цінували сучасники, майстер був популярний, мав багато учнів і послідовників.Перший відомий натюрморт художника (1621 р Збори Бредіуса, Гаага) був виконаний у жанрі Уапназ ("алегорія тлінність"), де предмети мали особливий символічний сенс.Проте, головними у творчості Хедаят стали, так звані, "сніданки" - натюрморти з накритими столами домашнім начинням, з нейтральним тлом, м'яким освітленням, стриманою гамою кольорів і тонкими градаціями світла.Хедаят любив також писати срібні чаші з мерехтливими відблисками, кубки з венеціанського скла, перламутрові раковини. Художник майже завжди використовував у своїх роботах одні й ті ж мотиви, але, змінюючи розстановку, він створював оригінальні композиції, що представляють новий погляд на звичні предмети.Для його натюрмортів характерні надзвичайна точність у передачі предметів і разом з тим загадкова поетичність, що створює романтичний відчуття таємничості. Інші відомі твори: "Сніданок з омаром". 1648. Ермітаж, Санкт-Петербург; "Сніданок". 1652. Ермітаж, Санкт-Петербург;"Сніданок з ожиновому пирогом". 1631. Картинна галерея, Дрезден; "Шинка і срібний посуд". 1649. ГМИИ ім. А.С. Пушкіна, Москва.

Пітер Клас (Pieter Claesz) - 1597, Бургштейн, Вестфалія - 1661, Харлем. Голландський живописець. Один з перших майстрів голландського натюрморту XVII ст. Вчився у Флоріс ван Дейка. З 1617 працював у Гарлема. Переважно звертався до улюбленого в Голландії типом натюрморту, т. н."Сніданкам" - зображенню накритого столу зі скромним набором предметів трапези і домашнього начиння, складених у гаданому безладді (особливо в ранніх роботах), але підлеглих продуманої і чіткої (зазвичай горизонтальної) композиції.Кожен з предметів розташований так, що глядач може сприйняти його фактуру, обсяг, найдрібніші деталі.Натюрморти, написані на сірому або оливковій фоні при м'якому розсіяному світлі, відрізняються багатством відтінків в межах єдиної коричнювато-золотистою, сріблясто-сірого гами, звідси їх назва - жанр "монохромних сніданків".

"Сніданок" - Пітер Клас

" Шинкй і срібний посуд" - Вільям Хеда

" Натюрморт з позолоченим кубком " - 1635, В.Хеда

В портретному жанрі був окрім індивідуального портрету, дуже розповсюджений груповий портрет членів різноманітних військових і штатних корпорацій - стрілкових рот, опікунів лікарень і притулків, учбових об'єднань.

На такі портрети був попит та замовлення і писались вони в більшості по узаконеному композиційному шаблоні, дуже скучному і нагадував колоду карт з королями і валетами.

6.Оптимізм та велич живопису Рембрандта Харменса ван Рейна.

Безпечний оптимізм "малих голландців" тут безсильний. Але серед них жив найвеличніший із великих художників, чиє мистецтво здатне торжествувати над песимізмом Еклезіаста - Рембрандт.

На той час рівень живопису в Голландії був достатньо високим і були в Голландії великі майстри живопису.

І все ж Рембрандт навіть на їх фоні виявляється незвичніше.

Рембрандт Харменс ван Рейн народився 15 червня 1606 р. в Лейдені. Його батько був мельником, мабуть, достатньо забезпеченим, щоб дати сину гарну освіту і влаштувати його в 1620 році в Лейденський університет. Але провчившись не довго Рембрандт вирішив стати художником. Три роки він працює підмайстром у одного лейденського художника, а потім пів року навчається живопису в Пітера Ластмана в Амстердамі. Ластман, майстер високого класу, який навчався в Італії, познайомив Рембрандта з ефектом світлотіні, що використовувався для передачі об'ємності і розкриття драматичності дії. Цей прийом стане головним в творчості художника.

В наступні роки Рембрандт працює в Лейдені, отримавши репутацію талановитого майстра, але постійно отримував критику сучасників. Проте він не був ізгоєм свого часу: він більш як будь-хто, виражав його істинні життєві сили, його мудрість і досвід.

Розвиток Рембрандта як художника, його сімейне щастя в шлюбі з Саськією, скорбота по її смерті, суспільне піднесення і самота в старості, весь «роман» його життя супроводжується творами, які представляються особистими і загально дійсними. Картини Рембрандта пізнього періоду наповнені граничною натхненністю при повній відмові від незначних подробиць. Характеризуючи творчість Рембрандта, часто згадують світлотінь, розвинену вже Караваджіо до вражаючою новизною живописної манери, що лякає сучасників реалізмом, великою привабливою силою, що володіє, сприйнятою і переробленою Нідерландами, особливо «утрехтськім» караваджістамі. У Рембрандта світлотінь набуває нового, глибшого звучання, дозволяє в таких картинах як «Саськія з червоною квіткою» і «Жертвоприношення Маноя» відчути духовне зміст, не залишаючись лише на поверхні освітлених або неосвітлених предметів, долає їх зовнішню оболонку. Своєрідність досягнень Рембрандта полягає не у винаході світлотіні — її застосовували вже Нідерланди кінця 15 століття, Кранах, Корреджіо —, а в тому, як він працював світлотінню.

Занурившись в розгляд таких картин як «Жертвоприношення Маноя», залишивши дискусії фахівців осторонь, розумієш, що хотів виразити Ежен Делакруа, коли писав: «Чим далі я рухаюся, я відкриваю в мені, що правда — найпрекрасніше і найрідкісніше... Те благородство Рафаеля в лініях, у величності кожній з його фігур — Рембрандт має, мабуть, в таємничому трактуванні теми, в глибокій наївності виразу і жестів».

Вплив Рембрандта був дієвий і далеко за межами Голландії, досягнувши Німеччини, розповсюдженню цієї живописної манери багато в чому сприяли його учні. При цьому очевидно, наскільки глибокими були враження учнів, яких вони отримали, знаходячись поблизу майстра, наскільки сильно вони відображали в своїх творах точно ту фазу розвитку творчості Рембрандта, яку вони спостерігали в роки їх навчання. Герард Доу, ймовірно, перший учень Рембрандта в Лейдені, перебільшив тонку манеру живопису, випробувану Рембрандтом на початку його шляху, але з дуже своєрідною, реалістичною нотою, Арт де Гольдер же, що вчився в 60-х роках, виходив з пізнього стилю Рембрандта. Сам майстер постійно розвивався, учні ж продовжували лише певні фази його розвитку.

Рембрандт, за словами очевидців, "обертався постійно в колі людей низького чину". Це видно і на його картинах.

Він любив суворі, зморені обличчя бідняків, любив писати згорблених старців, старих жінок, сліпих і калік.

Але він зображував людей "низького звання" не з тим відтінком веселої тривіальності, як Ян Стен чи Адріан Остаде, а як мудреців і царів. Побутового жанру Рембрандт уникав. Якщо не враховувати портрети, сюжети він черпав з міфології, та більш за все з Біблії.

В 1631 р. чи на початку 1632р. переїздить в Амстердам де відразу ж стає відомим написавши картину "Урок анатомії лікаря Тульпа".

Рембрандт написав цю картину, базуючись на лекцію, яку читав в січні 1632 р. лікар Ніколас Тюль. Хоч художник переїхав в Амстердам лише не задовго до того, він вже доказав, що здатен виконати велику роботу: написав декілька чудових портретів, після чого Йому замовили "Урок анатомії". Можливо вирішальну роль відіграла протекція Фендрика ван Ейленбгорха, в якого квартирував Рембрандт. Ейленбюрх і раніше успішно торгував картинами, був покровителем і. створював імена молодим художникам. Рембрандт став його останнім протеже.

Голландська школа славилась груповими портретами, п цей призначався в дарунок лікарю Тульпу, до того ж коли розраховували постати на картині в самому вигідному зображенні. Живописець чудово виконав не завдання передавши індивідуальність кожного при цьому залишивши цілісність композиції.

На картині Тульп читає лекцію, а слухачі з професійною зацікавленістю вдивляються в труп покараного злочинця. Завдяки "Уроку анатомії" Рембрандт відразу ж отримав відомість.

В 1634 р. вдало одружився на племінниці Хендріка ван Ейлснбюрха, Саскії, а до 1639 року разом з дружиною придбали в околиці чудовий дім.

В 30-х роках Рембрандт був молодим, щасливим, повним енергії, гроші від замовлень текли до нього, він витрачав не задумуючись.

Зібрав велику колекцію творів мистецтва і рідкостей - східних тканин і костюмів, старовинну зброю, килими, чудернацькі речі, персні, намисто, тваринні шкіри, морські рослини і тварини. До таких екзотичних речей Рембрандт завжди відчував справжню пристрасть. Він користувався в живописі як антуражем.

Повну волю своєму бурхливому художньому темперамент, молодий Рембрандт дає в портретах Саскії, своєї дружини. Ця юна жінка стає під його пензлем "Флорою " (1634) - богинею весни: він вбирає її прикрашаючи квітами, парчею, намистом, саму її звичайність робить таємничо-заворожуючою.

Цей портрет написаний в той рік коли Саскія вийшла заміж за Рембрандта. Вбрання написане з великою майстерністю.

Через рік він знову написав Саскію в образі Флори - також відома робота, проте рентгенівськийзнімок показав, що на початку він прагнув зобразити її біблійною Юдиф'ю з відтятою головою Олоферна,
яку вона тримає на колінах.

В 1635 році він пише сіяючий життєрадісністю "Автопортрет з Саскією". Веселий кавалер з дівчиною на колінах тримає в руці келих, на святковому столі пиріг з Павлином. Дивно, але про цю роботу відомо дуже мало, є відомості, що він зберігав її в себе, не бажаючи продавати, можливо через особисту цінність для нього картини.

Можливо, маскарад подружжя заради забави, наслідуючи моді на сцени придворного життя.

Проте є інша версія: на картині буцім то зображений блудний син, що розточує спадок.

Можливо Саскія позувала Рембрандт}' 1636 р. і для "Данаї" - картини, яка в 30-ті роки передвіщає глибину зрілого Рембрандта.

Картина вражає чуттєвістю і насиченістю колориту. Тут ми бачимо дівчину, закриту в вежі, по наказу батька, до неї під виглядом золотого дощу проникає Зевс і спокушає її. Дійсно, без сумніву, що коханець - невидимка наближується, слуга не розуміє, а дівчина знаками запрошує коханого розділити з нею ложе. Позолочений янгол споглядає зверху майже збожеволів від горя, чому? цього мабуть ми ніколи не взнаємо,

В 1642 р. помирає Саскія, залишивши сина Тітуса, якому виповнився рік, єдиного сина Рембрандта, так як троє його дітей померли ще немовлятами. І в той же рік визначилась тріщина в відношеннях між Рембраидтом і його замовниками.

Твори на біблійну тематику «Самсон, що загадує загадки на весіллі».

Рембрандт Харменс ван Рейн. Лейден 1606 р, — Амстердам 1669 р. 1560 Самсон, що загадує загадки на весіллі. Підпис внизу посередині; Rembrandt. f.1638. Полотно 126 х 175 см.

Тема зображення запозичена із Старого Завіту, книга Судій Ізраїльових 14 - 16, Самсон — найсильніший зі всіх, про кого оповідає Біблія, подібний до античного Гераклу, вибрав з політичних спонук наречену з племені філістян, що панував у той час в Ізраїлі. На весіллі він задав гостям загадку. Зрадивши Самсона, наречена видала відповідь, що послужило для Самсона приводом для подальшої мести. Композиція формально могла виникнути під враженням Леонардовськой «Таємної вечері», але світлотінь додає їй дуже індивідуальний характер. Рембрандт прекрасно передає цю історію, робить її для нас яснішою. Він ділить композицію на три частини, що зліва не беруть участь в тому, що відбувається гості, пріключенчеські виглядаючі типи східного вигляду, наречена, сама вже не, що розуміє що відбувається, сидить в середині, об'єднуючи навколо себе картину.

Одним з перших учнів, прийнятих Рембрандтом в Амстердамі (у Лейдене до цього у нього вже вчився Герард Доу), був Фердинанд Боль. Він прийшов до Рембрандта імовірно в 1631 році, стиль майстра тридцятих років став початковим пунктом для його творчості. Картина Боля «Сон Якоба про небесні сходи» в освітленні і в багатьох деталях показує вплив вчителя.

У 60-х роках учнем Рембрандта був Арт де Гельдер. Він познайомився з вже старезним, таким, що живе замкнуто майстром. У його творчості непізнавана світло-тінь переплітається з якнайтоншими нюансами кольору. У такій картині як «Це людина» колорит настроєний м'яко і заспокійливо на охру і коричневий колір, розподілені рівномірно, червоний застосований для тихого контрасту, по краях багато темноти. Деякі частини виражені дуже делікатно, як наприклад, плащ, накинутий на рельєф поряд з Пілатом, його тюрбан, рельєф в коричневому і зеленому і рельєф із зображенням любові до ближньому на правій стороні сцени. Несправедливо, що картина коштує в тіні Рембрандта.

Рембрандт Харменс ван Рейн Лейден 1606 р. — Амстердам 1669 р. 1558.

Ганімед в кігтях орла. 1635. Полотно, 171 х130см.

Гані мед, син царя Троса, якщо вірити міфологічним оповідям греків і римлян, був найпрекраснішим смертним хлопцем, в якого був закоханий Зевс. Ганімеда викрав орел Зевса і приніс його на Олімп, де він став виночерпієм. Замість прекрасного Ефеса Рембрандт показує нам в цій картині, попередній малюнок до якої зберігається в Кабінеті графіки в Дрездені, кричущої маленької дитини Із задертою сорочкою, що описалася від страху. Довго роздумували над «сенсом» цього твору, що так відійшов від традицій, що воно здається навмисним спотворенням композиції Мікеланджело.

Він написав великий груповий портрет офіцерів стрілкової роти (пізніше названий не точно "Нічна варта" сцена відбувається вдень).

Всупереч традиції художник вирішив її як сюжетну картину - рота виступає в похід. Тільки деякі фігури на першому плані яскраво висвітлені і їх видно цілком, інші в тіні, в русі, перемішані з фігурами, які не мають відношення до стрілків: заказники відчули себе ображеними, заплативши гроші вони хотіли втримати свої реальні портрети. З цього важкого року крива успіхів пішла різко вниз.

В картині "Святе сімейство" на зміну гучності фарб і шаленій емоційності, зацарювала стриманість напівтонів, напівтінь і блага тиша. В люльці немовляти Ісуса вгадується маленький син художника Тітус, але Марія, яка дбайливо схилилась над ним, - вже не образ Саскії. Мало кровну буржуазну змінила сильна засмагла дівчина сільського виду, яка чарує не тендітністю образу, а проникливістю обличчя.

"Світла і темна" моделі Рембрандта контрастні як день і ніч, як світська мода і природна грація. Ми бачимо мінімум прикрас на портретах спокійної Хендрикьє.

Вона немов всім прикрасам на світі надавала перевагу скромній обручці, яку через незаконність союзу з художником носила не на пальці, а на шиї, що можна побачити на зображені "Хендрікьє біля вікна". В ньому помістилась вся гірка і щаслива доля молодої жінки.

Поступово від портрету до портрету - сором'язлива служниця, немов надихає міць своєї чарівності. Тільки постійно ховає свої великі, загрубілі від роботи руки.

Після перших конфліктів з замовниками, які не визнали його права на художній експеримент, душевної кризи, спричиненої втратою дружини, простенька сержантська дочка, а в дійсності така ж селянка як і він зможе заповнити Рембрандту душевну пустоту, розбудивши в сорокарічного майстра не тільки жагу щастя але й нові імпульси до творчості.

Рембрандт весь час був в пошуках особливого ідеалу, відходив від загально прийнятих цінностей, діловитості, ситості і багатства.

Реальні життєві контрасти добра і зла, гостроту яких він відчув в результаті глибоких потрясінь, наводили особливу боротьбу тіні і світла в його живописі.

Проте чим дальше заходив рембрантівський пошук. Тим більш не розуміли його оточуючі. Багаті замовники дратувались, не знаходячи в своїх неприкрашених портретах бажаної подібності. Колеги розпускали чутки про його творчі "падіння", кредитори притискали, а церковники осуджували за незаконне життя з Хендрикьє, на яке дівчина пішла через те, що не хотіла залишати чоловіка спадку першої дружини.

Церковна рада відлучила Хендрикьє від церкви на рік. Служниця визнавала свою провину, але залишити Рембрандта відмовилась.

Рембрандт взнав про це заднім числом, що поглибило в ньому давно зріючи гнівну реакцію. Тим часом над Рембрандтом спалахнула давно зріючи негода.

В 1656 р. його майно було конфісковано і розпродано.

Пішли з молотка не тільки колекції екзотичних речей, але Й саме найцінніше для Рембрандта: малюнки Рафаеля, Мікеланджело і Рубенса, які в різний час вимінював на свої.

Через два місяці його будинок купив розбагатівший чоботар. В художника залишилися лише мольберт, фарби та друкарський станок. Розпочалась велика та сумна смуга скитань по родичах і готелях. В цей час дорослішає Тітус, він домовившись з декількома учнями батька, він відшуковує на краю міста приміщення закинутого магазину, відновлює його. Вирішують створити антикварну та художню лавку куди пообіцяли зносити свої картини відомі на той час художники. Не дуже прихильно ставились до нього колишні друзі.

Проте на убогій Розенстрат (збіднілий район канал троянд) Хендрїкьє відчула сама себе "панянкою", серед простого люду, її поважають за людські якості.

Але найголовніше 30-літня мачуха та 18-літній пасинок об'єднують свої невеликі капітало-збереження і утворюють невелику фірму по продажі творів мистецтва, а син вирішує стати незамінним помічником батька та всіх художників які зубожіли, або потребують допомоги.

Тітус разом з мачухою створюють умови для творчості. Саме тоді народжується серія незамовлених робіт старців, створюється чисто рембрантівський жанр: портрет-біографія, портрет-роздум, портрет-життєвий результат: "Аристотель з бюстом Гомера".

Серія "Апостолів". Створюється багато картин з портретом сина. У Його уяві син перетворюється у всі легендарні обличчя. Зруйновані всі канони, що зробило живопис Рембрандта мистецтвом на всі віки. Але сучасники перестали його розуміти, колеги вважали його безумцем. Учні залишали його, картини не так часто здавали, але лавка стійко трималася, поки трималась її мовчазна господиня. Таємна недуга з деяких пір почала точити її міцне здоров'я. Два роки приховувала вона свій біль. І в віці 38 р. 1663 р. вона помирає. Хендрікьє Стоффельс переписує всі свої гроші, обійшовши навіть власну дочку, Тітус ван Рейну, так як той вів їх спільну справу. Будучи впевненою що він не залишить батька і підростаючу дочку. Після втрати Хендрікьє відлюдькуватість Рембрандта загострилась, він перестав виходити з дому, торгівля пішла на спад.

Молодому освіченому торговцеві картинами, який знав латинь, французький, вдалось важкими зусиллями стабілізувати "справу" настільки, що він виплатив борги батька і свої І подарував батькові нові полотна для картин і друкарський станок.

Ставши діловою людиною Тітус має наміри зайняти міцне положення в суспільстві і одружитись на патриціанці - кузині Магдалені ван Лоо.

В пам'ятний рік створення "Повернення блудного сина " 26-річний син згасає від тієї ж хвороби що й мачуха.

В 1667 р. разом з життям молодого хазяїна обірвалось існування антикварного магазину, а все господарство полягло на плечі 15-річної дочки Рембрандта Корнелії.

Його живопис лід кінець життя спалахнув яскравими фарбами.

Так Рембрандт написав незвичайний подвійний портрет, що називається "Єврейська наречена". Хоч одяг сучасний, та фігури героїв передбачали біблейських персонажів Ісаака а Ревеку. Ці фігури ще й нагадують його близьких людей Тітуса (але в 40-річному віці) і кохану Хендрікьє. Можливо ця "Єврейська наречена" - реквієм цим чудовим, відданим людям і вдячність Рембрандта та дар променя безсмертя, поки ще стара рука Рембрандта могла тримати пензель. Рембрандт ніколи не покидав своєї країни. А ось мандрівний мариніст Корнеліус Ейтхоф після смерті майстра вивіз його миловидну дочку в екзотичні краї на острів Ява. Тут Хендрікьє народила сина такого ж життєрадісного, як сама і якого в честь дідуся назвали Рембрандт. Слід його втрачається десь в безмежних південних морях. Але перший і єдиний Рембрандт був похований сім'єю Сейтхофів (дочка і зять) на кладовищі Вестерхер, біля своєї не вінчаної дружини. З того часу і до наших днів все глибше розкривається таємничий та одночасно високий смисл рембрандтовських живописних контрастів і рембрандтовської духовності. Цей невичерпний смисл, як велике чудо, освітив для людей тихий подвиг коханих жінок, що заплатили своїм життям для вічного життя рембрантовського мистецтва.

Картини Рембрандта ніколи не мають ясного відношення до реальності, так підкреслюваного «малими майстрами», вони завжди підносяться з повсякденного світу в духовну сферу художнього бачення, речі цікавлять його не самі по собі, а в зв'язку один з одним і лише настільки, наскільки вони підкоряються його уявленням. Таким чином все, що ми можемо сказати про політичне і соціальне коріння його мистецтва, буде сумнівним, він був дуже великим генієм, що стоїть поза всякими правилами.













Висновок

Золоте століття голландського живопису — найвидатніша доба в живопису в Голландії (Нідерландах), що приблизно припадає на усе 17 століття. Завершуючи викладений матеріал ми можемо чітко визначити основні етапи художнього процесу у Голландії XVII століття, які добре узгоджуються з загальною періодизацією західноєвропейського мистецтва цієї епохи.

  • період становлення (до 1640р.);

  • період розквіту (с 1640 до 1670 р.);

  • період занепаду (після 1670р.)

Ці періоди співпадають з так званим загальноєвропейським варіантом. Специфічну рису голландського мистецтва складає особлива ущільненість, насиченість етапів її еволюції: вся велика епоха вкладається в менш ніж три чверті століття, охоплюючи 2-3 покоління живописців, про включаючи неймовірно велику кількість художніх явищ.

Друга особливість еволюції голландського мистецтва - дуже чітка визначеність її початкової і кінцевої меж, відсутність розтягнутих перехідних фаз, які пов'язують мистецтво XVII ст.. з попередніми і наступними етапами. Початок епохи співпадає з появою Голландії, як суверенної держави на європейській арені в першому десятиріччі XVII ст.., а її фінал пов'язаний з тим, що на межі 1660-х - 1670-х років настає раптовий і катастрофічний художній занепад.

До кінця 1660-х років завершує свій життєвий шлях більшість з голландських живописців, що працювали в період розквіту, а майстри наступного покоління виявляють ознаки деградації. Б останньому тридцятиріччі голландська школа перетворюється в щось суто провінційне, за виключенням творів окремих майстрів.

В XVII столітті голландська нація лише починала свою історичну ходу. Саме в цей період стався рішучий розрив голландського мистецтва з мистецтвом «білої епохи». Просте життя голландських бюргерів породжувало примітивні та приземленні смаки в мистецтві, в роботах художників вони прагнули бачити відображення власного життя, позбавленого шляхетності,широкої освіти,витончених смаків і шанування багатьох традицій.

Таке бачення спрямувало голландських живописців до нового різновиду художньго реалізму, який поступово з'явився у всіх художніх жанрах — портретах, інтер'єрах, пейзажах, натюрмортах. Мода на ці роботи набула небаченного розмаху серед всіх верств суспільства, що породило колосальний попит на картини. Саме ці події призвели до того, що саме XVII століття стало «золотим» для голландського мистецтва.

Ми познайомились з відомими представниками голландського живопису цього часу є Халс, Рембрандт, Рейсдал,Ян Вермер з Дельфту, Герард Терборх, Пітер Клас, Ян Стен, Віллєм Хеда.

Це покоління енергійних, життєрадісних, таких, що упевнено дивляться в майбутнє людей краще всього відобразив в своїх творах голландський живописець XVII століття — Франс Хальс. Груповий портрет, чудові зразки якого залишив художник, вперше показав суспільне обличчя людини, громадянина першої буржуазної республіки. Разом з тим Хальс зумів вловити і передати в своїх творах той революційний дух національно-визвольної боротьби, яким була овіяна епоха становлення голландської нації. Тому його мистецтво носило достовірно демократичний, народний характер.

Дари природи, предмети повсякденного ужитку оспівували художники-натюрмортисти. Ні в одній країні в XVII столітті натюрморт не досяг такого розквіту і того ступеня досконалості, як в Голландії . В цьому жанрі відбився і глибокий інтерес до матеріального світу голландського ученого, і милування своїм достатком голландського буржуа, і пошук нових сторін прекрасного голландськими живописцями. Голландські натюрмортисти XVІІ століття першими зробили висновок, що прекрасне міститься у всьому, до чого торкалися працелюбні руки людини, що було зігріте його любов'ю і турботами.

Ще значнішими були досягнення жанристів, на полотнах яких разом з представниками вищих шарів голландського суспільства з'явився і демократичний герой представник простого народу — селянин, ремісник, робочий мануфактури. Голландські художники дають широку картину вдач і звичаїв, що панували в буржуазному суспільстві. Брати Адріан і Ізак вам Остаде правдиво розповідають про життя селянина, Терборх, Пітер де Хох, Вермеер, з пильною увагою зображають буденність городян.

Прогресивні, демократичні риси голландського живопису знайшли своє найвище втілення в творчості видатного генія світового мистецтва Рембрандта. На відміну від своїх співвітчизників він не замикався в рамки одного жанру. Художник залишив чудові зразки реалістичної майстерності у всіх видах живопису. Але не тільки широта розмаху явищ життя виділяє його з середовища сучасників, — твори Рембрандта відрізняються незвичайною життєвістю зображення і неперевершеною глибиною психологічного розкриття художнього образу.

Істотно збагативши зміст мистецтва і поглибивши його творчий метод, голландська школа відкрила новий, важливий етап в поступальному розвитку реалізму, а великі творіння Рембрандта і його видатні сучасників і сьогодні доставляють людям справжню радість і найбільшу естетичну насолоду.

Так, образотворче мистецтво розглядалося у нерозривному зв'язку з історичними та літературними процесами різних країн.










Ілюстрації

Харменс ван Рейн Рембрандт(1606-1669)


Автопортрет


Повернення блудного сина (1669).


Автопортрет з Саскією на колінах 1635р.



Урок анатомії лікаря Тульпа” (1632);



Нічна варта 1642


Аристотель з бюстом Гомера



Даная (1636)



Флора 1634р.(портрет Саскії у вигляді флори )

Єврейська наречена



Святе сімейство



Жертвопринесення Маноя




Саскія з червоною квіткою



Ганімед в кігтях орла 1635. Полотно, 171 х130см.


Стен Ян(1626-1679)


Гуляки

Девушка с устрицами
1658-1660, Маурицхейс, Гаага



Туалет женщины, 1660
Рейксмузеум, Амстердам


Франс Хальс


Мулат (1628-1630)


Циганка (1628-1630)



Встреча офицеров роты святого Адриана в Харлеме.





«Регенты госпиталя св. Елизаветы», 1641





Шкільний вчитель 1662р.



Читающий мальчик




Якоб Рейсдал(1628/29 -1682)


Площадь в Амстердаме
1670



Дорога в дюнах

1655





Мельница в Вейке 1670, Рейксмузеум, Амстердам







Зимний пейзаж
1682, Рейксмузеум, Амстердам







Вид Харлема с полями
1670-1680, Маурицхейс, Гаага



Две водяные мельницы
1650-е, Частное собрание



В лесу, 1682
Рейксмузеум, Амстердам



Пейзаж с мельницей
1661



Пейзаж с водопадом
1665


Радуга в штормовом море
1655



Вид Харлема
1665



Вільєм Кальф

«Натюрморт с китайской миской»

1660р.


«Натюрморт с кувшином и фруктами» 1660р.


Натюрморт 1660р.




Пітер Клас (1598-1661)




Натюрморт, 1630



Натюрморт, 1643




Сніданок з шинкою, 1647


Ян Вермеер ван Делфтський (1632-1675)


Девушка с жемчужной сережкой
1660-е, Маурицхейс, Гаага


Дівчина,що читає листа біля вікна, 1657



Девушка, примеряющая ожерелье, 1662-1664


Служанка с кувшином молока, 1660



Мереживниця
1669-1670


У звідниці 1656, Картина галерея, Дрезден


Молода жінка з гітарою, 1671-1672

Дівчина з глечиком води, 1662

Географ
1668-1669

Астроном
1668-1669

Дама і два кавалери, 1659


Вигляд міста Делфта, 1658-1660


Адріан ван Остаде


«Драка»




Алхімік


Сільський вчитель



Майстерня


Сімейне свято



Герард Терборх (1617-1681)


Урок музики




Жінка, що миє руки

Урочиста клятва при ратифікації Мюстерського договору, 1648

Келих лимонаду


Ян ван Гойен (1596-1656)


Харлемське море 1656





-

Пейзаж з дубом 1634








ЛІТЕРАТУРА


1.Дмитриева Н. А. Краткая история искусств. Вып. 2. Северное Возрождение; страны Западной Европы XVІІ и XVІІІ веков; Россия XVІІІ века. – 2-е изд., доп. – М.: Искусство, 1989.– С.183-219.

2.В.Греченко, І. Чорний, В. Кушнерук, В. Ряжков. Історія світової та української культури. – К.: Либідь, 2000. – С. 182-211.

3.История зарубежного искусства. – М.: Искусство, 1971. – С. 225-250.

4.Искусство стран и народов мира. Энциклопедия в 5-ти томах. Том 5. – Москва, 1981. – С. 52-219.

5.Культурологія: українська та зарубіжна культура /за ред. М. М. Заковича та ін. – К.: Знання, 2004. – 570 с.

6.Петрочук О. Подвиг любви // Юный художник, 1991р. № 9, С. 12-16.

7.Синюков В. Натюрморт // Юный художник, 1990р. № 2, С. 37-41.







61


‹
›